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La joven actriz recogió el original anillo, diseñado en forma de ‘palomita de maíz’ y realizado en su interior en oro amarillo y en su exterior en oro blanco y pavés de diamantes, el pasado jueves, en el transcurso de una cena que se celebró en la casa del anticuario e interiorista Lorenzo Castillo, acto en el que estuvo arropada por el presidente, la vicepresidenta segunda y el director de la Academia de Cine, Enrique González Macho, Judith Colell y José Garasino.

El vestido de Blumarine en color  dorado, con falda de gasa de tul y cuerpo de strass que lució el pasado 19 de febrero, le ha valido a Blanca Suárez este  premio  que compartió con Marisa Paredes, Alba García, Irene Visedo, Aida Folch, Cayetana Guillén Cuervo, José Toledo y Boris Izaguirre, entre otros invitados al evento.

Encantada con el reconocimiento, Blanca Suárez, finalista al Goya a la Mejor Actriz Revelación por La piel que habito, recibió la ‘palomita’ y, de nuevo, demostró su elegancia con un vestido negro de cuero, de cuello cerrado y sin mangas.

La intérprete madrileña, que tiene pendiente el estreno de Miel de naranjas y The Pelayos, fue la más elegante en la gran noche del cine español, ‘título’ que en sus dos anteriores ediciones recayó en Lydia Bosch y Goya Toledo.

Maíllo, que protagonizó una de las intervenciones más largas de la ceremonia en el apartado de agradecimientos-, no ha parado de recibir buenas noticias desde que presentó en el Festival de Sitges esta producción que ha sido vendida en casi todo el mundo, incluido Estados Unidos, donde los hermanos Weinstein han adquirido los derechos para su estreno en salas. Premio del Público en el Festival de Cine Fantástico de Gérardmer, cinco Premios Gaudí, dos del Círculo de Escritores Cinematográficos, Gran Premio del Jurado del Festival de Ciencia Ficción de Nantes, Premio Saint Jordi a la Mejor Ópera Prima Española y Premio Ojo Crítico de Cine 2011 fueron las recompensas que cosechó la innovadora Eva antes del 19 de febrero. Éxitos que entiende como “una bienvenida” a la industria cinematográfica española “que está deshaciéndose de muchos de sus clichés y encaminándose a una buena dirección en cuanto a géneros, calidad y diversidad.

La fantasía

Con las ideas muy claras, Maíllo , que también hizo sus pinitos en la publicidad y ha firmado videoclips, no descarta hacer un musical, pero como ha crecido viendo películas fantásticas y ha comprobado en primera persona que, técnicamente, es posible realizar los sueños, es casi seguro que insistirá en la ciencia-ficción, puerta que ha abierto ese realizador salido de la ESCAC, donde estudió y ahora ejerce de profesor.

Ya ha hecho su primera película, ahora viene lo más difícil “porque el cine español da muchas primeras oportunidades, pero muy pocas segundas y casi ninguna tercera”, sentencia este director que empezó  disfrutar del séptimo arte como espectador. Enganchado a la gran pantalla, Maíllo, que empezó matemáticas en la Universidad, hizo un discurso por el que fue aclamado porque, además de destacar el talento de la joven protagonista de su película, Claudia Vega, a la que hizo prometer en público que iba a estudiar y agradecer a sus padres sus esfuerzos en la búsqueda de un futuro mejor, hizo una defensa de la escuela pública.

¿Y después? Pues un año de escritura con Michel Gaztambide -guionista que se ha quedado con la estatuilla al mejor guión original con el que trabajó en La caja 507, La vida mancha y en este thriller policíaco ambientado en un Madrid multirracial que cuenta la historia de un inspector de policía, Santos Trinidad (Coronado) que le ha valido tener en su despacho su primer ‘cabezón’-. Avisa que no había cuentas que saldar por parte de la Academia, institución de la que fue vicepresidente primero junto a Ángeles González Sinde,  “Antes tampoco me sentía poco reconocido. He llegado hasta aquí sin muchos premios y estoy muy honrado. A la gente le ha gustado más esta película y la ha votado y nos ha tocado a nosotros. Podía haber ganado Mateo Gil, Pedro Almodóvar o Benito Zambrano. No hay que darle tanta importancia”.

Así, aunque reconoce que el seis es un número “estupendo”, en el caso de no haber sacado plaza en el palmarés “tampoco hubiera pasado nada porque el trabajo ya está pagado cuando te puedes mirar en el espejo todos los días sin que se te caiga la cara al suelo. Empezó a compensar en el Festival de San Sebastián con un maravilloso pase con el público y luego ha remado bien en taquilla. Este es un oficio muy grato, aunque no vaya nadie a verla. La vida mancha me produce todavía satisfacciones y es un filme que no vio nadie”.

Ha cumplido las bodas de plata con la profesión, en la que lleva la mitad de su vida, y tiene los pies en la tierra.  Sabe muy bien de lo que habla cuando  contesta con un “no lo sé” a la pregunta de si ahora le resultará más fácil encontrar financiación para su próxima historia. Le costó ocho años levantar No habrá paz… “Es bueno que se premie  un thriller. Puede ayudar a que haya más confianza en este tipo de proyectos por parte de los productores. Si creo que ahora el primer paso será más fácil, pero si no tienes un buen material, no importan los galardones que hayas conseguido”.

En lugar de thriller, prefiere hablar de policíacos, género que le apasiona y a través del que ha conseguido que el espectador se crea que un tipo español puede ir con pistola en la mano. “Nosotros también podemos dar estopa. El país ha cambiado mucho. Se trata de abrir una puerta de la cinematografía española con este tipo de películas, como en su momento lo hicieron Celda 211 y El día de la bestia”.

Su hábitat es el de director. “Lo que me gusta es rodar, trabajar con los actores… Escribir me cuesta muchísimo. Soy un director que escribe y si mañana mismo me ofrecen un buen guión, lo acepto sin pestañear”. Pendiente de ver “qué pasa con la nueva administración, de cómo se arbitran las ayudas “, tiene varias ideas en la cabeza, aunque no sabe la que finalmente fluirá. De momento, se queda con el recuerdo de una noche que difícilmente olvidará, de la emoción de su actor fetiche, Coronado, con el que lleva tres trabajos. “De Jose… No tengo palabras. El Goya tenía que ser para él, me daba miedo Antonio Banderas porque está estupendo”, confiesa Urbizu, que no tiene intención de explotar el filón de Santos Trinidad, personaje al que ha matado. “Bueno, siempre se puede hacer una precuela y luego bajarle a los infiernos”, ironiza.

No  hay duda: Coronado-Urbizu se entienden a la perfección, tienen las mismas afinidades estéticas, la misma película en la cabeza. “Lo nuestro funciona. Yo estoy para lo que me necesite. Me tiene para lo que quiera, si me pide un cameo de camarero, ahí estaré”.

Con unos pelos y algunos kilos de más, Coronado se metió en la piel de un policía “alejado de todo. Es un despojo, vive en el infierno. El mérito de No habrá paz… es haber contado una historia que nos compete a todos, que ha levantado la alfombra, que te atrapa y engancha”.

Feliz de estar en una profesión “maravillosa” , Coronado ha cumplido un sueño que tenía desde hace 25 años. “Era un sueño, pero tampoco lo necesitaba . Poder ser actor ya es un privilegio, se puede vivir sin el Goya  pero te da mucho gusto cuando te lo dan”.

Coronado, que también tuvo opción al cabezón por Goya en Burdeos, confesó que cuando escuchó su nombre “se me paró el mundo. Intentaba tener la mente en blanco, mi cerebro esperaba el nombre de Antonio Banderas, pero mi corazón pedía a gritos que dijeran el mío”. Antes de pasar esos momentos de incertidumbre, pensó que si esta vez no era para él, estaba en el horizonte el Goya de Honor. Todo un señor.

En la gran noche del cine español, No habrá paz para los malvados hizo doblete con el Goya a la Mejor Película y Mejor Dirección, reconocimientos a los que sumó el de mejor guión original –firmado por Michel Gaztambide y el propio Urbizu-, montaje –Pablo Blanco- y mejor interpretación masculina protagonista , que tuvo como destinatario a Jose Coronado, a quien meterse en la piel de Santos Trinidad le valió su primer cabezón.

25 años, uno menos que el Goya, le costó a Coronado estrenarse en recibir la estatuilla, pero el intérprete madrileño no fue el único que debutó en la gala de los premios a nuestra cinematografía, también lo hizo José Ignacio Wert como ministro de Educación, Cultura y Deportes, Enrique González Macho como presidente de la Academia de Cine, y Eva Hache como maestra de la ceremonia que acogió el Palacio Municipal de Congresos - Campo de las Naciones de Madrid, marco de una noche en el que nuestro cine dejó patente la creatividad y la capacidad creadora de sus profesionales que, solicitados en el extranjero y distinguidos en festivales internacionales, constituyen un exponente de la ‘marca España’.

Emoción, diversión e Internet

En su última convocatoria, los premios de referencia de nuestra cinematografía repitieron el éxito del año pasado en audiencia televisiva. Más de cuatro millones de espectadores estuvieron pendientes de todo lo que ocurrió durante cerca de tres horas, tiempo en el que, además de entregar 29 bustos del pintor al trabajo en equipo que hay detrás de las películas, se habló del cine español y de su acercamiento al público y se destacó el papel que juega la animación –Arrugas logró los dos premios a los que era finalista-. El público, tanto el del patio de butacas como el que estaba frente a la pantalla de La 1 de TVE, se divirtió con la intervención de Santiago Segura; se emocionó con las palabras de Silvia Abascal, recuperada del accidente cerebrovascular que sufrió hace unos meses; aplaudió el discurso de Kike Maíllo, que se alzó con tres Goyas con su apuesta por la ciencia ficción, Eva; y recordó a Baltasar Garzón a través de Isabel Coixet, directora y productora de Escuchando al juez Garzón, que recibió el Goya a la Mejor Película Documental.

En la velada también se escuchó por primera vez el discurso a tres voces de la presidencia de la Academia. Enrique González Macho y las vicepresidentas primera y segunda, Marta Etura y Judith Colell, declararon que la crisis se vencerá “si hay energía, inteligencia, trabajo, profesionalidad y reglas de juego claras” e hicieron un llamamiento “a la prudencia, a la lógica y a la potenciación de lo bueno ya existente sin abandonar las nuevas vías emergentes que probablemente marquen gran parte de nuestro futuro”. En sus palabras de bienvenida no se olvidaron de Internet, “que, desgraciadamente, todavía no es una alternativa ni sustituto, ni tan siquiera un complemento al enorme esfuerzo económico que supone producir cine”.

Seis propuestas distintas

Los números musicales, los monólogos y los sketches también tuvieron su espacio en la ceremonia, en la que se consolidó el cine de género con los Goya a Urbizu, Mateo Gil y Kike Maiíllo, y seis historias muy distintas se repartieron los premios.

Los seis Goya de No habrá paz para los malvados, los cuatro de La piel que habito -mejor actriz, actor revelación, música original y maquillaje y peluquería- y de Blackthorn. Sin destino –fotografía, dirección artística, dirección de producción y diseño de vestuario-, los tres de La voz dormida –actriz de reparto, actriz revelación y canción original- y Eva –dirección novel, actor de reparto y efectos especiales- y los dos de Arrugas –mejor película de animación y mejor guión adaptado-. Con este último premio, se rompió el tabú de que las cintas de animación solo podían ganar en su categoría, como apuntaron sus responsables. El palmarés se completó con The Artist como mejor película europea y Un cuento chino como mejor película iberoamericana. Ricardo Darín, el protagonista de esta coproducción hispano-argentina, fue el encargado de anunciar este premio que recogió el productor español Gerardo Herrero, quien señaló la necesidad de una televisión pública de calidad “si no este país será de segunda división”.

A la velada faltó el Goya de Honor de esta edición: la cineasta cordobesa Josefina Molina, ausente por una gripe, envió unas palabras a favor de la labor de las mujeres en nuestra cinematografía. Se homenajeó a esta veterana profesional con el vídeo que se grabó en la fiesta de finalistas, donde el presidente de la Academia le entregó el galardón honorífico.

No fue éste el único tributo. El recuerdo de los que se fueron emocionó y arrancó los aplausos porque, aunque María Isbert, Amparo Muñoz, Antxon Eceiza y María Jesús Valdés, entre otros muchos, ya no están “seguís entre nosotros”.

Del primero al décimo

Las sensaciones de los ganadores no se hicieron esperar. El primero en subir al estrado fue Lluís Homar. Emocionado por su primer cabezón, el mejor actor de reparto por Eva se acordó en sus agradecimientos de todos, desde Montxo Armendáriz hasta de los auxiliares de todos los departamentos.

No hubo sorpresas en el galardón a la mejor actriz revelación, que también se estrenó en recoger Goyas por La voz dormida. La sevillana se lo dedicó a Benito Zambrano, a su familia, a su hermana cinematográfica, Inma Cuesta, a Pepita Patiño, la mujer en el que está inspirado su personaje, “y a todas las Pepitas del mundo por ser mujeres valientes, generosas, que han conseguido perdonar pero no olvidar”.

En su versión masculina, se llevó el Goya a casa Jan Cornet por su papel en La piel que habito. Tras agradecer a Pedro Almodóvar “el regalo que me ha hecho”, y a Antonio Banderas “por estar a mi lado en todo momento”, Cornet pronunció el nombre de Juan Carlos Corazza, “mi maestro”.

Muy contenido, Andrés Santana ganó el Goya a la Mejor Dirección de Producción por Blackthorn. Sin destino, y compartió el trofeo con todo el equipo “que tuvo que aguantar con oxígeno 4.000 metros de altura en el altiplano boliviano”.

Volvió a hace buena su condición de favorito el músico Alberto Iglesias, que ganó su décimo premio, todo un récord, por una película de Almodóvar, “la persona que me ha llevado a querer esta profesión”. El compositor podría ampliar su galería de reconocimientos con el Oscar, al que es candidato por la banda sonora de El topo.

Era una de las favoritas, y a la tercera fue la vencida. Ana Wagener se alzó con el Goya a mejor actriz de reparto por La voz dormida y se lo dedicó a “aquellos que se dedican a desenterrar memorias olvidadas y voces dormidas, a pesar de que tengan que pagar un precio alto por ello”.

Arrugas es la primera obra animada con dos goyas. Y Paco Roca, Premio Nacional de Cómic por la historieta homónima en la que se basa la película, celebró este especial momento luciendo traje –“no me lo ponía desde la Primera Comunión”-. Y Ángel de la Cruz, uno de los guionistas de esta animada cinta, se lo dedicó a dos hermanos que cuidan de su madre que, como los protagonistas de esta historia, sufre alzhéimer.

Su nombre aparecía en todas las quinielas. Kike Maíllo supo por su actriz, Marta Etura, “del abrazo de bienvenida” que dio la Academia “a un debutante como yo”. Su opera prima, Eva, conquistó tres estatuillas e hizo prometer a la niña de su película, Claudia Vega, que iba a estudiar. "Yo no sé si es mucho o poco, pero gracias a estudiar estoy hoy aquí. Primero en colegios públicos maravillosos, si públicos, y luego en la ESCAC, la escuela de cine en la que aprendí todo lo que sé de este negocio”, guiño que arrancó los aplausos de los presentes. Maíllo también le dijo a su abuelo que ahora “ganamos mundiales y hacemos películas de robots. A España ya no la conoce ni la madre que la parió".

Reivindicativa, Isabel Coixet hubiera preferido no hacer el documental Escuchando al juez Garzón y que no se hubieran producido los tres procesos contra el magistrado. “A Garzón se le podrá apartar de la Justicia, pero nada ni nadie podrá apartar de la justicia a Garzón”, apostilló la cineasta, que no se olvidó de María Garzón, la hija del juez, cuando recogió el que es su cuarto Goya.

Se enfrentaba a Antonio Banderas, Luis Tosar y Daniel Brühl y, aunque su corazón le decía que quería oír su nombre, su cerebro pensaba en “Antonio y Luis”. Jose Coronado se emocionó tanto cuando supo que era el mejor actor “que se me ha saltado el botón del esmoquin”. Dijo que iba a dormir con el Goya que le habían dado por encarnar a Santos Trinidad.

De Almodóvar a Picasso

Y Banderas, siempre generoso con sus colegas, aplaudió calurosamente la elección de Coronado. “Sabía que no iba a ganar. He estado supertranquilo”, declaró el internacional malagueño, que no asistía a la gala de los Goya desde 2005. “La Academia no está en deuda conmigo. He sido cuatro veces finalista a los premios y tengo la Medalla de Oro. Yo le debo a la Academia, de la que todos formamos parte”, apostilló el conocido actor, director y productor, que en septiembre dará vida a su compatriota Pablo Picasso a las órdenes de Carlos Saura.

Elena Anaya no se separaba de su Goya a la mejor actriz, galardón en el que se impuso a Verónica Echegui, Inma Cuesta y Salma Hayek, que se sabía “perdedora, pero encantada de estar junto a estas tres actrices”.

No quiso que los nervios le jugaran una mala pasada, por lo que sacó la chuleta. La palentina se acordó de sus compañeros de reparto -"sabía que eráis unos pedazo de actores, pero aún no sabía que fuerais excelentes compañeros y personas"-; de su madre - "me enseñaste que la magia existe y mira la que has liado"-, de su padre –“estoy segura de que lo estará viendo con prismáticos desde algún sitio"- y, por supuesto, de Pedro Almodóvar. “He crecido con tus películas, me quedaba enganchada viendo tus personajes. Este personaje ha sido cumplir un sueño y tú lo has hecho realidad".

Y Almodóvar, que cantó en el número musical con el que comenzó la gala, aplaudió a Anaya, una de las actrices “sufridoras” de la noche. A los actores les tocó el papel de “malos”. Palabra de Eva Hache.

No habrá paz para los malvados, de Gonzalo Salazar-Simpson y Álvaro Augustin (Telecinco Cinema, S.A.U., Lazona Films, Manto Films, A.I.E.)

Mejor Dirección

Enrique Urbizu, por No habrá paz para los malvados

Mejor Dirección Novel

Kike Maíllo, por Eva

Mejor Guion Original

Enrique Urbizu y Michel Gaztambide, por No habrá paz para los malvados

Mejor Guion Adaptado

Ángel de la Cruz, Ignacio Ferreras, Paco Roca y Rosanna Cecchini, por Arrugas

Mejor Música Original

Alberto Iglesias, por La piel que habito

Mejor Canción Original

“Nana de la hierbabuena”, por La voz dormida, de Carmen Agredano

Mejor Interpretación Masculina Protagonista

Jose Coronado, por No habrá paz para los malvados

Mejor Interpretación Femenina Protagonista

Elena Anaya, por La piel que habito

Mejor Interpretación Masculina de Reparto

Lluís Homar, por Eva

Mejor Interpretación Femenina de Reparto

Ana Wagener, por La voz dormida

Mejor Actor Revelación

Jan Cornet, por La piel que habito

Mejor Actriz Revelación

María León, por La voz dormida

Mejor Dirección de Producción

Andrés Santana, por Blackthorn. Sin destino

Mejor Dirección de Fotografía

Juan Antonio Ruiz Anchía, por Blackthorn. Sin destino

Mejor Montaje

Pablo Blanco, por No habrá paz para los malvados

Mejor Dirección Artística

Juan Pedro de Gaspar, por Blackthorn. Sin destino

Mejor Diseño de Vestuario

Clara Bilbao, por Blackthorn. Sin destino

Mejor Maquillaje y/o Peluquería

Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero, por La piel que habito

Mejor Sonido

Licio Marcos de Oliveira e Ignacio Royo-Villanova, por No habrá paz para los malvados

Mejores Efectos Especiales

Arturo Balseiro y Lluís Castells, por Eva

Mejor Película de Animación

Arrugas, de Manuel Cristóbal, Enrique Aguirrezabala y Oriol Ivern (Perro Verde Films, Elephant in the Black Box, Cromosoma, S.A.)

Mejor Película Documental

Escuchando al Juez Garzón, de Isabel Coixet (Miss Wasabi Lab, S.L.)

Mejor Película Iberoamericana

Un cuento chino, de Sebastián Borensztein (Argentina - España)

Mejor Película Europea

The Artist, de Michel Hazanavicius (Francia)

Mejor Cortometraje Documental

Regreso a Viridiana, de Pedro González Bermúdez

Mejor Cortometraje de Ficción

El barco pirata, de Fernando Trullols

Mejor Cortometraje de Animación

Birdboy, de Alberto Vázquez Rico y Pedro Rivero

Vestidos de gala para ellas con joyas y complementos por doquier,  esmoquin para ellos, con algunas notas de color reseñables, como el verde de Daniel Sánchez Arévalo, o el marrón de Eduardo Noriega, ambos de Dsquared2. Destacaron los chicos: Miguel Ángel Silvestre, de Giorgio Armani; Maxi Iglesias, de Armand Basi; Marc Clotet, de Loewe; Asier Etxeandía, de Morante; Quim Gutiérrez y Pedro Almodóvar, de Gucci, y Antonio Banderas, de Giorgio Armani, fueron solo algunos de los rostros masculinos que demostraron que el buen vestir no es patrimonio de ellas.

Firmas internacionales y una presencia abrumadora de diseñadores nacionales  vistieron a las invitadas más elegantes de la noche: Leonor Watling, de rojo con un diseño de Miriam Ocariz; Leticia Dolera, de Cortana; Inma Cuesta, de Juanjo Oliva; Silvia Abascal, de Lorenzo Caprile; Macarena Gómez, de Teresa Helbig… Una nutrida representación que demuestra que la moda en España es tan versátil e interesante como nuestro cine, capaz de viajar fuera de nuestras fronteras y de demostrar que son posibles diferentes caminos a la hora de crear.

Las vencedoras de Lanvin

Elena Anaya y María León coincidieron a la hora de escoger a Alber Elbaz, cabeza creativa al mando de Lanvin, para confeccionar los vestidos que las harían despegar hacia el éxito. Mientras la palentina acompañó el diseño de inspiración griega con un collar con forma de águila, la hermana de Paco León se atrevió a ser peinada y maquillada por la bloguera Natalia Belda. Por su parte, Ana Wagener, vencedora en la categoría de actriz de reparto, optó por un traje pantalón de Lorenzo Caprile y joyas de Carrera y Carrera para recoger un Premio Goya en el que se cumplió la premisa de que ‘a la tercera va la vencida’.

El dorado fue otro de los protagonistas de la alfombra: Pilar López de Ayala lo lució combinándolo con negro y joyas de Carrera y Carrera; Verónica Echegui hizo lo propio con un vestido blanco con cinturón joya de Gucci; y Michelle Jenner con un diseño nude con pedrería de Zuhair Murad y cartera de Úrsula Mascaró. También escogió este color Goya Toledo, que confesó tener muy buena relación con el libanés Elie Saab, diseñador de su vestido; y Blanca Suárez, que se decantó por un modelo de corte sirena y tul con pedrería, de Blumarine.

Salma Hayek y Melanie Griffith, protagonistas internacionales de la ceremonia, eligieron diferentes tonalidades del color vino para vestir su estreno en los premios que reconocen la calidad del cine español. La mexicana optó por un modelo de Gucci, que acompañó con una joya al cuello que deslumbró a los asistentes, para pasar por la alfombra acompañada de su elegante marido François Henri Pinault, presidente del conglomerado de marcas de lujo PPR. Melanie Griffith protagonizó una de las anécdotas de la jornada al permitir a una periodista que hurgase en su cuello para descubrir en qué tienda de Los Angeles había comprado su modelo. El vestido en un rojo muy español y con rosas superpuestas en el bajo de la falda ponía de manifiesto el sentir de Melanie, que había acudido deseosa a la gala en la que Antonio Banderas podría haberse alzado con su primer Premio Goya.

¿Quién será ahora la maja de los Goya? ¿Manuela Velasco, con un diseño de gasa de Carolina Herrera, o Belén Rueda, con un modelo rojo de Pedro del Hierro Alta Costura y joyas de Carrera y Carrera?, ¿Tendrán posibilidades la vicepresidenta primera Marta Etura, con un vestido nude de Gucci, o la vicepresidenta segunda Judith Colell, con un vestido capa de Menchen Tomás?, ¿Cayetana Guillén Cuervo, de Oscar de la Renta; Marisa Paredes, de Carmen Halffter; o Silvia Abascal, de Lorenzo Caprile? Las posibilidades son muchas, pero algo sí quedo claro en el paseíllo por la alfombra roja de los invitados. Tal y como resaltó Kike Maíllo en su discurso de agradecimiento España no es lo que era, a este país ya no lo reconoce nadie, y estamos dispuestos a jugar con nuestras estrellas en otras ligas. Eso sí, la moda por delante. El saber estar, también.

Queremos ser positivos, porque somos conscientes de que nuestro cine por un lado tiene un tejido industrial frágil en su estructura económica, pero un enorme potencial en talento, creatividad e ilusión. Este potencial no solo se mantiene íntegro, sino que se renueva y aumenta con nuevas incorporaciones día a día. Desde que el cine es cine, se ha hablado de sus crisis permanentes, y de eso en nuestra profesión sabemos mucho. No olvidemos que llevamos años diciendo que “el cine español es un enfermito crónico, pero con salud de hierro”. Es verdad que el año pasado nuestra cuota de mercado fue algo mejor que en el año anterior, pero deberíamos decir que fue algo menos mala porque es totalmente insuficiente y hemos de esforzarnos para alcanzar la cuota que nuestra cinematografía merece.

Todos nuestros pasos  han de venir acompañados de una permanente autocrítica, mirarnos a los ojos en el espejo cada mañana y preguntarnos con sinceridad si lo estamos haciendo bien y sobre todo cómo podemos mejorar. Tenemos que ser plenamente conscientes de nuestras responsabilidades cuando  hacemos cine, porque nuestra obra es una parte esencial de la marca España y de la imagen de nuestro país en el extranjero.

La semana que viene, la película Chico y Rita de Fernando Trueba y Javier Mariscal y el compositor Alberto Iglesias estarán presentes en Hollywood aspirando al mayor y más codiciado galardón del cine mundial, y es muy bueno que una vez más, como casi todos los años, nuestros profesionales del cine estén presentes en Hollywood, con lo difícil que es. Y no sólo allí, sino también en los mejores certámenes que se celebran en el mundo y en muchas ocasiones ganando para España los más prestigiosos galardones. Ese reconocimiento para nuestros profesionales debería servir para conquistar a ese público minoritario que de forma visceral, que no racional, trata con indiferencia y en algunos casos con hostilidad nuestro trabajo. Puede ser que tengamos parte de culpa, pero desde luego, no toda.

Y ese espejo, queridos compañeros, es nuestro público. La razón esencial por la que hacemos cine. Para contarles historias que les interesen, les emocionen, que les hagan pensar, llorar, reír, en definitiva, sentir. Y ese público lo tenemos en la calle, en las salas de cine, en su casa a través de los ordenadores y dispositivos móviles, ese público al que nunca olvidamos, aunque algunos opinen que no es cierto.

Este año ha sido un año de grandes cambios para nuestro país. La industria del cine los ha seguido de cerca como un sector de la sociedad al que los vaivenes de todo tipo afectan profundamente. Estamos ante una etapa nueva en la que se nos plantean nuevos caminos y, aunque bien es cierto que el camino se hace al andar, es necesario saber cómo se ha de transitar y sobre todo adónde se quiere llegar. Es necesario que conozcamos cuál es el camino para que lo recorramos todos juntos, como única fórmula para avanzar y llegar a metas más ambiciosas. Los cambios  nos van a afectar profundamente: cambios legislativos ya anunciados por el Sr. Ministro de Educación Cultura y Deportes y por el Secretario de Estado de Cultura,  cambios tecnológicos que afectan no solamente a los modelos tradicionales, sino también a los nuevos, cambios en las relaciones con las televisiones, tanto públicas como privadas. Muchos cambios. Cambios que si se realizan con la prudencia y la visión apropiadas, seguro que serán positivos. Pero somos conscientes de que los cambios siempre provocan inquietudes si no están perfectamente definidos y han de ser viables y tener como objetivo mejorar y enriquecer los modelos anteriores.

La industria cinematográfica no se puede permitir un salto en el vacío. Todos conocemos la complejidad de nuestro trabajo, tan difícil como,  inestable y cualquier giro imprudente puede llevarnos a una catástrofe. Por ello hacemos un llamamiento a la prudencia, a la lógica y a la potenciación de lo bueno ya existente sin abandonar en absoluto las nuevas vías emergentes que probablemente marquen gran parte de nuestro futuro.

Todos somos internautas, Internet es un espacio que compartimos y como todo aquello que se comparte, debe estar regido por un respeto mutuo y con unas normas de convivencia en las que estén claros los derechos y las obligaciones, regido por el respeto y la responsabilidad. Pero la realidad, por el momento y probablemente por un espacio de tiempo demasiado largo, es que Internet no forma parte de la actividad económica del cine. No dudamos que formará parte esencial de nuestro futuro, pero ese futuro todavía no ha llegado. Hoy por hoy, prácticamente la totalidad de la economía del cine, esos recursos que hacen posible la producción cinematográfica, no proceden de Internet, proceden esencialmente de las salas cinematográficas, de la televisión, del DVD y de otras formas de comercialización. Internet, desgraciadamente, todavía no es alternativa ni sustituto, ni tan si quiera un complemento al enorme esfuerzo económico que supone producir cine. Y no se trata de defender un modelo antiguo o caduco, como malintencionadamente afirman algunos.

Porque todos estamos inmersos en la búsqueda de los nuevos modelos, esencialmente digitales. Por ello, en tanto en cuanto ese futuro llegue, debemos seguir defendiendo aquello que hace posible la obra cinematográfica sin dejar de investigar, invertir y desarrollar las nuevas vías para un futuro más o menos próximo.

Nuestro cine es rico y no se puede etiquetar sin faltar a la verdad, y esa verdad es que, como la sociedad de la que nace y de la que se nutre, nuestra cinematografía es un crisol de miradas. El cine español no es un género, es una amalgama de diferentes tendencias creativas que expresan con mayor o menor fortuna el reflejo de nuestra sociedad. Es para esa sociedad para la que hacemos las películas y queremos estar cada día más  próximos a ella.

Dentro de la Academia y del cine español hay lugar para todo tipo de sensibilidades políticas, culturales y sociales. De ello dan prueba las películas que compiten hoy en esta gala y que afortunadamente son todas diversas y diferentes. No sabemos si la Academia puede hacer mucho o poco, sinceramente creemos que hemos trabajado para todos, buscando lo que nos une y obviando lo que nos separa, y el resultado será siempre la unión de múltiples iniciativas individuales, en la búsqueda del necesario acuerdo. No sabemos si lo hemos conseguido y no somos nosotros quienes debemos juzgarlo, pero desde luego nuestra Academia es ante todo y sobre todo un colectivo integrador de toda la industria y de todas las opciones culturales y artísticas.

Estamos convencidos de que esa es la forma correcta de enfocar el futuro. Vuestro apoyo debemos renovarlo día a día, minuto a minuto, porque los cheques en blanco no existen y es bueno que así sea. Trabajaremos siempre bajo la dirección de la Junta Directiva, compuesta por los 28 miembros elegidos por vosotros y que de una forma muy generosa nos otorgan su tiempo y su esfuerzo para que esta institución siga siendo lo que es, un ente respetable y respetado, fiel reflejo de lo que es nuestra actividad, nuestro trabajo y nuestra profesión, para que siga creciendo sin olvidar sus raíces.

Igualmente, manifestamos nuestro agradecimiento a los trabajadores de la Academia, personalizando en José Garasino como máximo responsable de la dirección de esta institución. El año pasado en la ceremonia de los Goya nuestro anterior presidente Álex de la Iglesia, dijo algo muy importante: “trabajemos con honor” y, querido Álex, quisiéramos añadir: “trabajemos con honor y con orgullo”, porque debemos estar orgullosos de lo que hacemos, porque lo hacemos de la mejor forma que se nos permite, que sabemos y que podemos.

Por todo ello, compañeros y compañeras peleemos por un futuro aún más brillante, con honor y con orgullo. Muchas gracias y buenas noches".

Natalia Pellejero fue al cine a ver The artist con cinco amigos.  “Es una película de la que nos habían hablado mucho y teníamos muchas ganas de verla. Es una historia sencilla y nada pretenciosa, que además te hace salir del cine con bastante buen rollo”. Acudirá a la gala acompañada de su pareja, y espera “pasarlo bien y disfrutar. Eva Hache es una cómica que me gusta mucho, creo que le puede dar mucha marcha a la ceremonia y quitarle bastante peso”.

Tras asegurar que disfruta habitualmente del cine español, la periodista catalana espera, cuando acude a las salas, que “el director me transporte hasta donde él quiera, si lo consigue es que me ha gustado; me gusta ver cintas que salen fuera del circuito comercial, me resultan más interesantes”. ¿Sus estrellas preferidas de nuestro cine? “Solo por haber elegido el papel de La mitad de Óscar, Verónica Echegui es una heroína para mí, es culta a la vez que divertida y muy agradable. Realmente la he descubierto hace poco y es una actriz que me apasiona. De chicos, Eduard Fernández es el que más me gusta”.

“Siempre se ven vestidos en color tanto rojo como negro, colores culturalmente españoles. Este año habrá tonos más claros, posiblemente bastantes nude, champán, o maquillaje, aunque nos han pedido también azules y verdes. El hecho de que presente la gala una mujer aporta mucho más colorido en el escenario”. Son palabras de Vicente Ruiz, estilista de la XXVI edición de los Premios Goya, que el próximo domingo verá cumplido el fruto de su trabajo a lo largo de los últimos meses. De nuevo, el asesor ha contado con la participación de la Asociación de Creadores de Moda de España, y con Carrera y Carrera como joyería oficial del evento.

¿Cómo se enfrentan los actores y actrices a la elección? “Suelen comenzar pidiendo un color determinado que les apetece, nosotros partimos de esa sugerencia y aportamos a las pruebas otras posibilidades de acuerdo con las características físicas y los gustos de las personas a las que estamos asistiendo”. La valoración para este año por parte de Ruiz “es positiva y esperamos que supere las expectativas de mejorar la edición anterior que, definitivamente, fue espectacular”.

Adrián Lastra: Dior.

Agustí Villaronga: Carlo Pignatelli.

Alba García: Pepe Botella, joyas Carrera y Carrera.

Alberto Ammann: Armani.

Ana Álvarez: Herve Leger.

Ana Waneger: Lorenzo Caprile, joyas Carrera y Carrera.

Anne Igartiburu: Lorenzo Caprile.

Antonio Garrido: Ermenegildo Zegna, camisa hecha a medida de Edgar Carrascal.

Antonio Najarro: Devota & Lomba

Belén Rueda: Pedro del Hierro, joyas Carrera y Carrera.

Benito Sagredo: Florentino.

Blanca Suárez: Monique Luilllier.

Carlos Areces: Roberto Verino.

Cayetana Guillén Cuervo: Carolina Herrera, Joyas Carrera y Carrera.

Cristina Brondo: Teresa Helbig, joyas Carrera y Carrera.

Daniel Brühl: Ermenegildo Zegna.

Elena Anaya: Lanvin.

Enrique González Macho: esmoquin hecho a medida por Florentino, camisa Mirto.

Gorka Otxoa: Caramelo, camisa Mirto.

Goya Toledo: Elie Saab.

Icíar Bollaín: Lorenzo Caprile.

Inma Cuesta: Juanjo Oliva.

Isabel Coixet: Martin Margiela.

Javier Gutiérrez: Armand Basi, camisa Mirto.

Jose Coronado: Armand Basi, camisa Mirto.

Josefina Molina: Diseño de Lola Herrera.

Juan Antonio Bayona: Caramelo, camisa Mirto.

Juan Diego: Caramelo, camisa Florentino.

Juan Diego Botto: Dior.

Juanjo Artero: Loewe.

Juan Manuel Montilla, ‘El Langui’: Caramelo, camisa Mirto.

Judith Colell: Menchén Tomás, joyas Carrera y Carrera.

Kike Maíllo: Caramelo, camisa Mirto.

Leonor Watling: Miriam Ocariz.

Leticia Dolera: Cortana.

Lucía Jiménez: Pedro del Hierro, joyas Carrera y Carrera.

Macarena Gómez: Teresa Helbig.

Marc Clotet: Loewe.

María Botto: Hannibal Laguna.

María León: Lanvin.

Marisa Paredes: Carmen Halffter.

Marta Belenguer: Dolores Promesas, joyas Carrera y Carrera.

Marta Etura: Gucci.

Marta Nieto: Beatriz de la Cámara, joyas Carrera y Carrera.

Michelle Jenner: Zuhair Murrad.

Miriel Cejas: Devota & Lomba

Nora Navas: Juan Pedro López, joyas Carrera y Carrera.

Número musical: Caramelo y camisas Mirto (chicos), y Mercedes de Miguel (chicas).

Pablo Rivero: Gucci.

Patricia Ferreira: Menchén Tomás.

Paula Ortiz: Juanjo Oliva.

Pedro Almodóvar: Gucci.

Pilar Castro: Pedro del Hierro.

Pilar López de Ayala: Nina Ricci.

Silvia Marsó: Devota & Lomba

Unax Mendía: Caramelo, camisa Mirto.

Verónica Echegui: Gucci.

Verónica Forqué: Jesús del Pozo.

Ficción:

Fernando Trullols, un experimentado ayudante de dirección de realizadores como Berlanga, Isabel Coixet, José Luis Cuerda… es el director de El barco pirata, la historia de un niño que ha pedido a los Reyes Magos un barco pirata, y su padre que, a punto de ingresar en el paro, le ha querido ayudar con los pocos ahorros que tiene. “Una historia que me hubiese encantado poder contarle a mi hija”, en palabras del director. La productora Bastian Films (Arturo Mendiz), que tiene una línea específica sobre la producción de cortos de ficción de noveles, apostó por Trullols y le hizo perder el miedo a poder afrontar proyectos grandes, ya que “todos los directores con los que he trabajado me han enseñado muchas cosas casi sin darme cuenta, y la experiencia adquirida a lo largo de estos años me ha preparado para dar el salto al largometraje”.

Elias León Siminiani ha dirigido El premio, una producción de Kowalski Films SL (Koldo Zuazua), Common Films SL (Mónica Blas) y Tinnitus SL (Daniel Sánchez Arévalo). El realizador donostiarra, que estudió dirección de cine en la Universidad de Columbia (Nueva York), narra la historia de Pilar y Manuel, un matrimonio de actores que se prepara para acudir a una gala en la que ella deberá recoger un galardón. Lo que debería ser una noche de celebración y glamour, acabará sacando los problemas más graves de la pareja ocasionados por los diferentes rumbos que han tomado sus carreras profesionales. “Es un corto que partió de la voluntad de mezclar ficción y realidad, una línea que vengo investigando hace tiempo… La idea era construir una ficción que desembocase en la realidad de modo que fuese la propia realidad la que decidiese el desenlace de la historia. Para ello conté con la inestimable complicidad de Pilar Castro, que quiso compartir conmigo ese momento tan único de su vida: su primera nominación como actriz a los premios de la Academia. De modo que en ese momento Pilar fue persona y personaje al mismo tiempo”.

Los hermanos José y César Esteban Alenda con su productora Solita Films, son conocidos de los Premios Goya. Tras conseguir el ‘cabezón’ en 2009 por el cortometraje de animación La increíble historia del hombre sin sombra, vuelven a ser finalistas por Matar a un niño, interpretado por Roger Príncep, Cristina Marcos y Roger Álvarez, y que en sus propias palabras “trata sobre la culpabilidad y sobre el instante exacto en el que un niño pierde su inocencia de manera prematura. La voz en off, a modo de terapia, rememora el trauma de su infancia. Como se trata de recuerdos, al echar la vista atrás no se puede asegurar qué parte de ellos son verdad y cuáles producto de la imaginación. Al utilizar imágenes fijas se acentúa esa sensación de sueño dirigido o de memoria imaginada donde, entre fotografía y fotografía, han ocurrido cosas que ni el espectador, ni el propio protagonista conocen, reforzando el misterio y el suspense del acontecimiento que está por venir. La imagen pasa de ser fija a estar en movimiento para acentuar la fractura que se produce entre el mundo de la infancia y el de los adultos”.

Meine Liebe es el título de la última pieza finalista en el apartado de ficción. Dirigida por Ricardo Steinberg y Laura Pousa, con una producción de Foro Sonoro Producciones SL (de Steinberg), nos presenta a Mario –interpretado por Ginés García Millán–, un hombre que se debate entre el compromiso de hacer lo que desea y el impulso de hacer lo que le resulta más cómodo. “En Meine Liebe quisimos contar un momento concreto, una de las muchas situaciones que se pueden presentar a lo largo de la vida y que, sin parecer excepcionales, son las más importantes, las que nos definen. Nos gusta pensar en este cortometraje como un episodio vital en la vida de un hombre que parece libre, pero que no lo es tanto...Hacía tiempo que tenías ganas de contar una historia y también sabía que tenía que ser una experiencia compartida. Cuando me encontré con Laura tuve la certeza de que podíamos trabajar juntos y así fue”, comenta el sonidista y productor, que ha colaborado en las cuatro primeras películas de Alejandro Amenábar, y también con José Luis Cuerda, Adolfo Aristaráin, Gonzalo Suárez, Carlos Saura, Pedro Almodóvar, Felipe Vega, Víctor Erice, Álex de la Iglesia, Mateo Gil, Pedro Masó y Agustín Díaz Yanes, entre otros. Obtuvo el Goya al Mejor Sonido por su trabajo en Tesis, Los Otros y Mar adentro, y ha sido candidato al premio en nueve ocasiones más.

Documental:

Alma, de José Javier Pérez Prieto, con producción de Ketch (Carlos Regidor), cuenta una historia optimista que pone en primer plano lo que realmente importa de la vida: “Es un proyecto hecho con el alma, de todos, incluso las historias que se han quedado por el camino y que están grabadas, pero que han aportado emociones al documental. Por supuesto, hemos intentado plasmar el ‘alma’ de Mikel, no solo su enfermedad y vicisitudes, sino también su esencia, y fue una grata sorpresa cuando, tras enseñárselo a los protagonistas,  nos dijeron que habíamos conseguido plasmar su esencia en imágenes… Ha sido una experiencia gratificantemente dura, porque la historia es dura, pero la vitalidad de Mikel nos ha inundado el alma a todos. No conozco a nadie que haya visto el documental y no le haya tocado”. Mikel, un joven de 34 años que padece ELA, nos enseña a disfrutar de las pequeñas cosas con su mujer Rosana y su hija Anne, enfrentándose a la enfermedad con entereza y valor. Junto con los profesionales de los cuidados paliativos, consiguen encauzar la difícil situación en que se encuentran, pero lo más importante radica en el alma… Entre documental y documental, Pérez Prieto experimenta con otros géneros, como el videoclip, los reportajes arquitectónicos, la televisión y otros proyectos de diversa índole. Siempre con un claro objetivo: contar lo que nos rodea de forma vitalista.

El sueño de dos jóvenes senegaleses por formar una familia y todos los riesgos a los que tienen que enfrentarse para conseguirlos es el tema principal de Nuevos tiempos, de Jorge Dorado, bajo la producción de Cool Shot (Jesús Corredera). El que ha sido  ayudante de dirección de Baz Luhrman, Pedro Almodóvar y Guillermo del Toro, ya prepara su primer largometraje, que lleva por título Mindscape.

Pedro González Bermúdez es el autor de Regreso a Viridiana, un corto documental presentado por TCM Original (Domingo Corral y Javier Morales), en el que Monique Roumette, una joven estudiante francesa de 21 años que trabajó para la productora UNINCI y que ahora vive jubilada en París, repasa los momentos que experimentó al lado del genial director aragonés Luis Buñuel, tras conocerlo en el rodaje de Viridiana y seguir atentamente toda su carrera.

El último corto documental con opción a premio es Virgen negra, realizado por Raúl de la Fuente bajo la producción de Kanaki Films (Amaia Remírez y Raúl de la Fuente). La historia se centra en Mozambique, donde la vida sexual de muchas mujeres comienza cuando son obligadas a casarse a los 10 años. Desde el abuso sexual en la infancia hasta creencias tradicionales como que el SIDA se cura teniendo relaciones sexuales con una virgen, pasando por los embarazos no deseados, la poligamia y los abortos –que muchas veces acaban con la vida de la propia madre–, son el marco en el que Linda, Aicha, Gwyneth, Luisa y Emilia nos cuentan sus realidades diarias. El director recuerda que “fue un rodaje duro, escuchábamos testimonios desgarradores. Pero también filmamos con mujeres jóvenes que luchaban por sus derechos sexuales. Por eso decidí filmar una escena de sexo real, con una joven pareja mozambiqueña, disfrutando hasta alcanzar el orgasmo. Una secuencia bella y arriesgada, todo un reto visual".

Animación:

Abrakam Estudio presenta Birdboy, de Pedro Rivero y Alberto Vázquez Rico, la historia de cómo un terrible accidente industrial cambia para siempre la vida de la pequeña Dinki que, a partir de entonces, hace que su destino penda de las alas de su excéntrico amigo ‘Birdboy’, un joven marginado que se oculta en el bosque, abandonado a sus fantasías. Además de haber sido el único corto español seleccionado a competición en la última edición del Festival de Annecy –el Cannes de la animación mundial–, ha estado presente en casi 30 festivales de Estados Unidos, incluidos Atlanta, Seattle, Slamdance, Palm Springs y Chicago, donde se alzó con el Hugo de Plata. Aún así, sus autores explican que Birdboy  “no deja de ser un trabajo modesto, hecho por un equipo pequeño, y con una apuesta narrativa poco convencional. Pero su historia nos llega. Es fácil identificarse con un pajarito que sabe que tiene que aprender a volar pero no reúne la fuerza de voluntad necesaria para hacerlo”.

Juan Montes de Oca es el autor de Ella, producido por  la Universidad de las Islas Baleares. La trama transcurre en Palma de Mallorca, donde a través de la inocencia de un niño de cinco años y de las casualidades de la vida, un viejo indigente afroamericano revive las causas de su vida sin sentido, remontándose 45 años atrás en Nueva York. Todo ello hace que su vida cambie de rumbo para encontrar, por fin, la felicidad perdida. En palabras del director:  “Ella representa la obra de todo un equipo humano que cree que con la animación se puede soñar, y sobre todo mantener la ilusión hasta el final en creer que ésta, nuestra cuarta nominación a un premio Goya, es la que nos podría permitir por fin lograr un premio tan buscado que cimente todo el trabajo realizado en pro de la animación.”

Zeinek Gehiago Iraun (Quién aguanta más), es la historia de un grupo de niños que juegan en las vías del tren, retándose entre ellos para ver quién aguanta más en el mismo sitio ante la llegada del convoy. Ander tarda más de lo debido en retirarse y, rozado por la máquina, sale despedido fuera de las vías, lo que le deja importantes secuelas físicas y neurológicas que trastocarán su futuro y el de su familia. Un corto que, en palabras de su director, Gregorio Muro, “acaba de comenzar su periplo de festivales y el hecho de ser finalista o el de llegar a ganar el Goya, lo va a hacer mucho más visible de cara a su selección en dichos festivales, a pesar de que ya ha sido uno de los diez finalistas en el de cortometrajes de Amiens (Francia), o que ha competido en el ZubrOFFka de Polonia contra un cortometraje de Miyazaki”. Para este joven director, el corto se ha convertido en el medio de expresión cinematográfica perfecto: “La libertad creativa que me da el que pueda producirlos yo mismo, no me la da un largometraje, que lógicamente y dada su inversión, está sometido a mayores presiones y controles por parte de mucha gente. Lo que tengo claro es que me gusta el cine, y que con mayor o menor dificultad intentaré seguir haciendo cortometrajes”. Y precisa lo de ‘cortometrajes’, porque fue el realizador de El rey de la granja, que fue finalista en 2003 al Goya de Mejor Película de Animación.

Jesús Orellana es el último finalista dentro de esta sección, y lo ha sido por Rosa. Autor de cómics y enamorado del cine desde pequeño, Jesús siempre había querido hacer cine, por lo que decidió sacarse esa espina y crear un cortometraje aparcando los cómics durante una temporada. Al no contar con experiencia ni contactos en el sector decidió aprovechar sus dotes como ilustrador y hacerlo por su cuenta: “El presupuesto ha sido nulo, no hemos tenido ayudas ni subvenciones de ningún tipo. Trabajé en solitario durante un año a tiempo completo desde mi propio ordenador, usando programas de los que ya disponía como artista digital, la mayor parte de ellos gratuitos. Pese a ser de animación lo traté en casi todos los aspectos como si fuera una película de imagen real”. La trama de Rosa se centra en un futuro cercano, donde la humanidad ha desaparecido dejando tras de sí una enorme megalópolis desprovista de vida natural. De entre los escombros despierta Rosa, un robot parte del proyecto KERNEL, el último intento de la raza humana de restaurar el ecosistema terrestre recuperando especies de plantas ya extintas. Vagando entre las ruinas de la ciudad sin vida, Rosa pronto descubrirá que no es la única parte del proyecto que ha despertado. “El corto ha levantado un interés tremendo en Norteamérica, siendo proyectado varias veces en Los Ángeles, Toronto o Seattle, y abriéndome las puertas a dirigir un largometraje de imagen real basado en el corto para la 20th Century Fox ”.

Y con el de Orellana se cierra el círculo de las doce piezas que esperan su hora el día de los Goya. Que D. Francisco reparta suerte.        

Blanca Suárez (La piel que habito)

"Todo al lado de Pedro es aprendizaje"

“Siendo muy pequeña yo ya quería ser actriz, pero era consciente de lo complicado que es vivir de la interpretación. Pensé que no entraba dentro de lo intangible cuando hice Escalofrío. Hoy me doy cuenta que no se puede empezar el año esperando ser finalista, pero si viene hay que tomárselo con humor, alegría y agradecimiento. Quien se dedique a esto y diga que jamás ha fantaseado con estar ahí arriba recogiendo un premio probablemente miente”.

“Trabajar con Pedro te transporta a una liga superior donde él lo maneja todo. Conoce cada coma del guión, cada color de la pared… Nada se escapa a sus decisiones. Es bonito ver que una persona con tanta experiencia a sus espaldas sigue con la misma motivación y realmente no sé si él será capaz de dejar de hacer cine algún día… Todo a su lado se traduce en aprendizaje, podría quedarme sentada escuchando esas historias de la familia Almodóvar, a cada cual más increíble”.

“Quiero compartir el día con mis compañeras, nos conocemos y, a fin de cuentas, será como una fiesta privada: María es un torbellino, tiene fuerza y desparpajo; Alba es muy sentimental, tiene dentro un pozo de emociones y eso se le nota en la mirada; y Michelle es muy intuitiva, se deja llevar. En un futuro próximo me gustaría trabajar en Europa o Latinoamérica, quiero vivir y conocer el cine que se hace fuera de España”.

María León (La voz dormida)

"Sin esfuerzo todo queda en nada"

“Me parece fascinante ser finalista, significa que mi pelea tiene ahora su recompensa. Aunque no quería hacerme ilusiones, había escuchado mucho sobre el tema –Tina Sainz me gritaba por la calle que pelease por el Goya cada vez que me veía–. Mi familia dice que lo disfrute y que trabaje, se puede tener suerte y talento, pero sin esfuerzo todo queda en nada. Mi madre, la Carmina, me ha enseñado que en la vida no somos nadie y que hay que reírse mucho, de uno mismo lo primero”.

“Benito tiene intuición, sabe manejar a los actores y tiene una sensibilidad especial: es capaz de verte hasta los intestinos. Yo con él he trabajado con todo el amor, el cariño y la admiración, eso es muy complicado… ¡Quién me iba a decir que yo acabaría aquí cuando Paco me dijo que fuese actriz! Mi hermano era mi ejemplo, y eso me daba respeto. En San Sebastián llevé los pendientes de mi comunión, me gusta llevar cosas antiguas porque me recuerdan de dónde vengo”.

“De pequeña veía la gala como si fuera Blancanieves, era como un cuento de princesas; yo creía que todo era mentira y no pensaba acabar ahí jamás. Dentro de unos años me gustaría estar con una función en el Teatro Lara. Espero hacer muchas cosas y no dejar de moverme, me queda tanto recorrido y tantos compañeros por conocer... Quiero estar con todos, pero para eso tengo claro que hay que poner mucha fuerza”.

Michelle Jenner (No tengas miedo)

"Sin Montxo el papel habría sido muy difícil"

“A los dos años ya hacía publicidad y castings. Crecí y me vi interpretando porque prácticamente comencé antes de tener uso de razón. Siempre tuve claro que era esto lo que me gustaba y nunca pensé en hacer otra cosa, pero sí que iré por caminos paralelos: ahora voy a dirigir mi primer corto. Me doy cuenta que es una alegría increíble ser finalista al Goya, pero echando la vista atrás nunca lo habría imaginado”.

“Desde el primer momento Montxo me hizo sentir a gusto y tranquila, la confianza era plena. Le agradezco muchísimo que me supiese llevar en una historia que, en otras circunstancias, se me podría haber hecho muy cuesta arriba.  El papel ya suponía un reto, me basé en testimonios de víctimas, busqué los sentimientos comunes… No tengas miedo se merecía más, pero el trabajo no es mejor ni peor, hay tanto cine que esto depende de muchos factores externos”.

“Recuerdo que de pequeña veía la gala y las chicas eran princesas, es emocionante ver a alguien recogiendo un premio. Mis padres me han enseñado que la responsabilidad es lo más importante en el trabajo y que todo lo que debe guiarme es mi felicidad. Dentro de diez años me gustaría continuar aquí, estoy contenta con el camino que he emprendido y espero que me lleguen sorpresas agradables para tener la oportunidad de seguir trabajando con gente a la que admiro”.

Alba García (Verbo)

"Los cambios me asustan muchísimo"

“Nunca había ido a un curso ni me había formado como actriz, esto es algo muy fuerte para alguien como yo, que solo había hecho obras de teatro en el colegio. Siempre supe que quería trabajar en algo de arte, pero aún no sé cómo concretar todo esto porque me gusta cantar, interpretar y escribir. Siempre he sido muy fan de Nawja Nimri, es un referente genial y ha sido un placer conocerla. La música te da imaginación, aunque más de una vez quieras tirar el violín al suelo”.

“Eduardo es una persona valiente, nunca había visto un trabajo como el suyo, una historia que vaya tanto a lo emocional y a lo interno. Me acogió con calor y con una energía especial,  pero me imponía muchísimo. Ahora, quizá él es para mí lo que es Lírico para Sara en la película, un maestro. Si Verbo no ha ido en taquilla como se esperaba quizá sea porque se tocan temas difíciles que a la gente no le gusta ver, pero personalmente no le doy mucha importancia a esto”.

“Todos los años veía la ceremonia de los Goya porque me gusta el cine español, pero recuerdo pensar que había muchas categorías, y trabajando me he dado cuenta de la cantidad de gente que forma parte de una película y de que hay que valorarlo todo. En unos años me gustaría estar muy serena, los cambios me asustan muchísimo, crecer en la interpretación y trabajar en algo relacionado con el arte. Eso sí, Eduardo que esté siempre cerca, por favor…”.

Juan Antonio Ruíz Anchía

"La idea de Blackthorn era hacer una visualización simple. No salirse de la historia. Sin grandes efectos. Movimos la cámara con elementos sencillos, steadycam y coches-cámara improvisados. Los paisajes en los que rodamos eran per se excelentes y únicos. No usé filtros especiales. La simple transición de los personajes por las diferentes coloraciones de los paisajes fue importante como concepto visual general en la historia. Así, los escenarios se convirtieron en un personaje más. No tuve que hacer gran cosa ya que la geografía de Bolivia es espectacular y única. Solamente tuve que usar mi intuición: las localizaciones eran extremadamente fotogénicas. En la cámara principal trabajé como operador y la segunda fue llevada por Rafael, el técnico de steadycam argentino. Tengo mucha suerte de haber trabajado con Mateo Gil, Andrés Santana  –que me empujó a hacer el proyecto– , el equipo de España –personal técnico, cámaras y laboratorio–, de Bolivia, de Uruguay y de Argentina. Soy un gran aficionado al montañismo y me gustó el reto físico de trabajar en alturas de 4.000 a 5.000 metros de media en una producción que a veces resultaba una “locura”, llevando equipo, camiones, caballos y cámaras a lo largo de 8.000 kilómetros de caminos de tierra sin asfaltar. Son oportunidades únicas en la vida de un director de fotografía. Capturar una historia en este contexto me hace sentirme agradecido por la experiencia humana y profesional que supuso en mi carrera".

Arnau Valls Colomer

"Eva es una historia futurista que se explica a través de la mirada al pasado, en un sentido literal de guion, y estilísticamente como homenaje al cine de los setenta. Los leitmotiv visuales fueron robots, nieve, moquetas y madera. Con estas premisas sobre la mesa trabajamos el contraste entre el frío invierno y la nieve del exterior, que estéticamente ofrecían momentos increíbles de luz, y la calidez de unos interiores fornidos de materiales nobles en los que se desarrolla casi toda la película. Este planteamiento, además, empujaba a Álex, que es un tipo muy frío –como los exteriores–, a irse abriendo, a dejarse ver, a exponerse".

José Luis Alcaine

"Cuando leí el guión me dí cuenta de  que La piel que habito no era una película definida, no era una película de terror, ni de suspense exactamente, ni de amor siquiera -aunque tiene una parte que lo es claramente-, y tampoco es un thriller. Considero que la palabra más exacta para definirla es angustiosa, pero esta palabra es poco identificativa en el ambiente del cine. Para mí es una película que no tiene una definición clara y al leer el guion por segunda vez pensé que lo mejor era hacer una fotografía que no diese claves, que de ninguna manera fuese de género, que huyese de los arquetipos que empujan al espectador a donde va la historia. Esto conlleva una imagen muy clara, limpia pero sin definición, sin tratar de llevar al público de un lado a otro, prácticamente sin sombras en las paredes, porque eso dejaría abierta las sorpresas de la película, que tiene bastantes, y es mejor no estar preparado para ellas, algo que me parece fundamental en este caso. Pedro no veía tampoco un estilo claramente definido, aunque en un principio tenía una cierta inclinación por una foto expresionista".

Unax Mendía

"De una manera sutil y como concepto fotográfico de No habrá paz par los malvados, esta imagen podría definir el estilo del filme. La fotografía del revólver es el final de un travelling. La pistola, en silueta contra una ventana, de alguna manera simboliza la maldad, el arma oscura, Santos Trinidad, contra todos y contra él mismo. Él se lleva el thriller, el claroscuro, el rojo, el mal... El fondo de esta imagen es la contraposición al personaje: la luz, la claridad simbolizada por la Juez Chacón y todo lo que le rodea, la búsqueda de la verdad. Todo ello enmarcado en formato scope pretende dar forma a este thriller con aires de western urbano".

Ver fotogalería con las imagenes que han seleccionado de sus películas los directores de fotografía

La promoción del cine español en los videoclubs no ha terminado y hasta el próximo jueves 16 de febrero, con el objetivo de fomentar el mejor cine español, regalarán 1.000.000 de alquileres de las películas españolas galardonadas con algún premio Goya.

Juan Diego (23-F: La película)

"El talento no tiene edad, pero el oficio sí"

Después de ser nueve veces finalista y haber recibido tres goyas –uno de ellos por un papel protagonista, en Vete de mí–, en las retinas de todos está grabada la imagen del actor de Bormujos como uno de los secundarios más brillantes que ha tenido nuestro cine. A pesar de esto, Juan Diego dice sentirse “cómodo con un buen guión y con un buen personaje que favorezca el entendimiento con el director, da igual que sea principal o secundario. El protagonista tiene una gran responsabilidad pero también tiene tiempo para enmendar los errores: el de reparto en cambio no puede fallar una”. “Apuesto por todo aquel que me traiga una buena historia, y si además está escrita por el propio director, ya sabemos si hay o no valor en ella. Lo fundamental es que tengan un buen guión, sin eso no hay película. El talento no tiene edad, pero el oficio sí, por tanto aquél viene definido por la experiencia”, declara el actor que ha dado vida al general Armada en 23-F: La película, rol por el que es finalista al Goya a Mejor Interpretación de Reparto y al que asegura haberse acercado “con mucho respeto y objetividad, tratando de hacer un personaje más sutil, labial y taimado, lejos del militar de rango, a la búsqueda del resquicio y sin casi definirse ni tomar decisiones hasta el último momento, cuando sabía que todo estaba a punto”. De la gran noche del cine español, Diego recuerda con especial cariño “la primera gala, porque fue un paso adelante muy importante para la organización de nuestro cine, para publicitar nuestros proyectos y pelear por ellos. Pero también para hacer partícipe al público y transmitirle el mensaje de que esto lo hacemos por ellos y para ellos. El cine es un instrumento fundamental para hablar de quiénes somos”.

Juanjo Artero (No habrá paz para los malvados)

“El Goya de Antonio Mercero me hizo llorar como un niño”

Juanjo Artero asegura que el inspector ‘Charlie’ de El comisario no fue un acicate para elegir el personaje por el que este año podría hacerse con su primer ‘cabezón’ como actor de reparto en No habrá paz para los malvados: “Cuando me llamó Enrique Urbizu me entusiasmé, me dijo: ‘Me vas a matar porque es un policía…’, y pensaba que le iba a decir que no por esa razón, pero todo lo contrario. El haber estado tantos años haciéndolo fue de gran ayuda para enfrentarme al personaje, pero Charlie y Leiva son muy distintos”. Curtido frente a las luces de candilejas y famoso en la pequeña pantalla desde los catorce años del ‘Javi’ de Verano Azul, Artero dice sentirse “ante todo actor. El teatro te da una sensación de continuidad que no da ningún otro medio. Pero la diferencia entre cine y televisión es mínima, salvo por el número de cámaras en juego. No me gusta limitarme, hago un poco lo que me toca hacer, si he hecho más teatro y televisión no ha sido por elección personal”. “La simple nominación ya es una enorme alegría. No espero ni mucho menos llevármelo, pero al ser la primera vez me siento muy afortunado de haber estado en una película que tiene tantas posibilidades”, declara este madrileño de 46 años que se estrena en los Goya como finalista, de los que recuerda especialmente “el que le dieron a Antonio Mercero. Al ver a todo el mundo de pie ovacionándole, lloré como un niño…”. Nada menos que 14 opciones a premio tiene la película en la que da vida al inspector Leiva, cuyo éxito de crítica y público Artero achaca “precisamente a que es un thriller muy español con toda la esencia del cine de este género, y Urbizu ha demostrado ser un maestro en este sentido”.

Raúl Arévalo (Primos)

"Me falta ese don especial para la comedia que tienen los grandes"

Raúl Arévalo decidió que su futuro estaba ligado a la interpretación tras hacer su primer curso de teatro en la escuela Metrópolis de Madrid con 16 años. Pero fue Cristina Rota la que lo inició sobre las tablas de forma fortuita: “Cuando terminé COU, mis padres vieron varias escuelas de teatro, pero al lado del bar que regentan hay una peluquería cuyo dueño es muy amigo de Montxo Armendáriz y Puy Oria. Por aquel entonces Montxo acababa de rodar Historias del Kronen, con Juan Diego Botto, que es hijo de Cristina Rota, y cuando le pregunté al peluquero si sabía –a través de Montxo o de Puy– de alguna escuela de interpretación buena, él me contestó sin dudar que la de Cristina, y me apunt酔, explica este actor de 32 años que empezó a saborear la fama en la serie Compañeros. Arévalo opta este año, por cuarta vez en su carrera, a un busto del pintor también por un papel cómico, en Primos –ya fue acreedor de uno como intérprete de reparto por Gordos–, aunque dice no considerarse un humorista “como tal, porque para hacer una comedia y hacerla bien necesito un personaje, un guión y un director determinados. Cada vez voy aprendiendo más pero me falta ese don especial para la comedia que tienen los grandes como Javier Cámara o Julián López”. Finalista junto a otro de los ‘primos’ del filme, Adrián Lastra, Arévalo dice disfrutar más en el teatro que en cualquier otro entorno, y de la comedia opina que “es un género infravalorado a la hora de los premios. Así que me hace mucha ilusión ser finalista precisamente por una”. En el recuerdo guarda el momento en que fue finalista como protagonista por Los girasoles ciegos junto a Benicio del Toro, Diego Luna y Javier Cámara: “El oír mi nombre al lado de semejantes actores fue muy impactante. Me acordé de los momentos en que yo jugaba a las películas en casa, y pensé: ‘¡Ahora estoy jugando de verdad con los mayores!’, y me parece ya un premio ser finalista junto a Juan, Lluís y Juanjo, a los que he visto trabajar desde niño y con los que he crecido antes incluso de querer ser actor”.

Lluís Homar (Eva)

"Pocas veces en mi vida he ensayado tanto un papel de cine"

El que fuera director del Teatre Lliure de Barcelona, donde hizo carrera sobre las tablas durante años alternando su trabajo con el cine y la pequeña pantalla, podría este año hacerse con el primer Goya de su carrera por su papel de robot en Eva. Lluís Homar reconoce haber “saboreado muchísimo la novedad que me suponían las cámaras de cine y de televisión, dejando el teatro un poco relegado, pero ahora regreso a los escenarios con Luces de Bohemia en el María Guerrero y podré disfrutar de nuevo de la artesanía de esta disciplina, en este caso como director. Cada oficio tiene su momento, pero lo mejor es que en los tres ámbitos he hecho siempre cosas que me han apasionado”. Modesto a la hora de los reconocimientos, a este barcelonés de expresión recia siempre le había pasado por la cabeza “la idea de poder llegar a ser finalista algún día, pero es algo que no está en la mano de uno: tienen que darse una serie de circunstancias propicias. Hubiera deseado que la nominación llegara antes, pero estoy encantado de que sea por una película como Eva”, cinta de ciencia-ficción que está entre las favoritas con 9 opciones a premio. “Afrontar el papel de un robot, aunque era muy atractivo sobre el papel, es difícil de imaginar cuando se traslada a la realidad. Oscar Valsecchi fue mi coach durante el rodaje y su trabajo fue fundamental para meterme en el personaje. Fue muy gratificante pero creo que pocas veces en mi vida he ensayado tanto un papel de cine”, declara Homar tras afirmar que “nuestro pasado, presente o futuro –como en el caso de Eva–, son susceptibles de convertirse en película. Lo importante es que la historia sea buena y el guion sea interesante y riguroso”. De los Goya guarda en la memoria con especial cariño “las galas que presentaba Rosa Maria Sardà, sin desmerecer a todos los demás, que también han sido fantásticos”, y respecto a la situación actual del cine español afirma que “hay que intentar no descorazonarse, luchar, arrimar el codo y alzar la voz cuando haga falta”.

Sin olvidar que el público español siempre ha apoyado sus trabajos, que en tres ocasiones han encontrado aquí soporte financiero, como en los casos de Conocerás al hombre de tus sueños, Vicky Cristina Barcelona y Midnight in Paris. Y ha sido por esta última obra, la más taquillera en toda la historia del maestro neoyorkino, por la que opta al Goya al Mejor Guión Original, trofeo por el que compite con Miguel Barros (Blackthorn. Sin destino); Aintza Serra, Cristina Clemente, Sergi Belbel y Marti Roca (Eva);  y Michel Gaztambide y Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados).

Allen levantó el año pasado el que es el mayor escaparate cinematográfico mundial, Cannes, con esta comedia romántica protagonizada por la actriz gala Marion Cotillard y el estadounidense Owen Wilson en la que aparece la primera dama de Francia, Carla Bruni. Además ha sido la segunda película española más taquillera en nuestro país, solo superada por Torrente 4, al lograr una recaudación de 7,9 millones de euros, y también ha registrado uno de los mejores resultados en el mercado estadounidense.

A película por año, el septuagenario cineasta dice no tener problemas para levantar proyectos “porque soy muy económico”. Tampoco le cuesta formar repartos porque “cuando se les ofrece un papel interesante, todos hacen lo posible por estar en la película”.
Director,  guionista, actor –ya apenas actúa- y clarinetista, Allen, que ha reconocido que saca bonitas las ciudades en la que rueda “a propósito”, se ha abierto al mundo a la hora de localizar y en los últimos años ha ‘abandonado’ su Nueva York natal por Venecia, París, Londres, Barcelona, Roma… para contar historias más variadas. Escondido tras unas gafas de montura ancha y oscura, Allen mira a la vieja Europa, de cuya cinematografía es gran admirador. Ya tiene un Globo de Oro por el libreto de Midnight in Paris, y no estaba en la sala para recogerlo. Ahora le espera la ceremonia de los Goya y también los Oscar, a los que es finalista en las categorías de película, director, guion original y dirección artística.

El poder latino

Interpreta, produce, escribe, dirige… La mexicana Salma Hayek dejó su país y una carrera segura como actriz de telenovelas y viajó a Estados Unidos. El público norteamericano la descubrió en 1995 con el filme Desperado, película en la que compartió cartel con Antonio Banderas, otro desconocido en aquella época para esa audiencia.

Cautivó con su  belleza y protagonizó largometrajes en los que su presencia física se imponía a su talento artístico. Pero esta poderosa latina peleó, se inventó su propio mundo, generó trabajo y se hizo un hueco en la industria. Y llegó Frida, el retrato de la pintora mexicana Frida Kahlo con el que consiguió una nominación al Oscar y el reconocimiento de la crítica. En Frida también estaba Banderas, con el que volvió a reencontrarse el pasado año en la cinta de animación El gato con botas. Como el intérprete malagueño, Hayek es finalista al Goya a la Mejor Interpretación Femenina Protagonista por La chispa de la vida, donde da vida a la esposa de un publicista en horas bajas que sufre un accidente del que intentan sacar provecho vendiendo su  desgracia al mejor postor. Un trabajo  con el que puede ganar su primer Goya si se lo permite Verónica Echegui (Katmandú. Un espejo en el cielo), Elena Anaya (La piel que habito) e Inma Cuesta (La voz dormida).

La chispa… es la segunda incursión en nuestra cinematografía de la que fue productora de la versión estadounidense de la famosa telenovela colombiana ‘Betty la fea’, y que en 2000 rodó en España la opera prima de Antonio Cuadri, La gran vida.

El mismo continente

En la Academia española siempre hay espacio para las películas con las que comparte idioma y también para las producciones con las que se reparte el mapa político. Entre estas últimas,  las europeas, los académicos se han decantado por Jane Eyre, Melancolía, The Artist y Un dios salvaje. Objeto de varias adaptaciones cinematográficas, la Jane Eyre firmada por Cary Fukunaga ha entrado en el cuarteto de mejor película europea. En esta ocasión, la novela escrita por Charlotte Brontë y publicada por primera vez en 1847, es muy fiel al texto original y tiene como baza las interpretaciones de dos de los actores de moda: Michael Fassbender y Mia Wasikowska. De la gala del cine europeo que se celebró en Berlín a primeros de diciembre, Melancolía salió como mejor película del año. El último trabajo de Lars von Trier no deja indiferente a nadie. “No es una película sobre el fin del mundo, sino sobre un estado de ánimo”, aseguró el director danés en la célebre y criticada rueda de prensa que protagonizó en el último Festival de Cannes.

Una larga lista de premios en distintos festivales avalan The Artist, del francés  Michel Hazanavicius, que desde que se proyectó en Cannes ha ido generando interés. Sin diálogos, basado en una comunicación gestual y rodada en blanco y negro, esta propuesta que se traslada al Hollywood clásico de los años veinte, está protagonizada por Jean Dujardin y la intérprete argentina Bérénice Bejo, además de tener 10 candidaturas a los Oscar.

Comienza con una conversación cordial y acaba convirtiéndose en un enfrentamiento entre dos parejas a consecuencia de los actos de sus respectivos hijos. Roman Polanski lleva a la gran pantalla la obra de teatro de Yasmina Reza Un dios salvaje, que tiene un reparto de lujo: Jodie Foster, John C. Reilly, Christoph Waltz y Kate Winslet.

Y el mismo idioma

Cuba, México, Argentina y Chile son los países con posibilidad de figurar en el palmarés. Boleto al paraíso, de Gerardo Chijona, tiene como base el libro escrito por el médico Jorge Pérez basado en testimonios sobre un grupo de jóvenes seropositivos cuyos destinos se cruzan en una carretera. Inspirada en un historia real de una miss mexicana que fue arrestada y acusada de narcotráfico, Miss Bala, de Gerardo Naranjo, tiene entre sus productores al actor Diego Luna.

La estrella Ricardo Darín encabeza el reparto de Un cuento chino, comedia del argentino Sebastián Borensztein en la que el popular actor encarna a un desilusionado, maduro, metódico y solitario ferretero a quien la aparición de un joven chino cambia su vida. El chileno Andrés Wood ya tiene dos Goyas por Machuca y La buena vida. Y vuelve a optar al galardón con Violeta se fue a los cielos, biografía fílmica de la artista Violeta Parra.

De tu ventana…., que también opta al Goya a la Mejor Actriz de Reparto -Maribel Verdú- y a la Mejor Canción Original, tiene en su reparto a la protagonista de Amantes, a Leticia Dolera y a la también zaragozana Luisa Gavasa. “Las tres y todos los que les rodean han hecho un ejercicio de generosidad y pasión con sus personajes. Cada una tiene una manera de trabajar diferente. Verdú fue una de las primeras que tiró del proyecto; Leticia podía bascular en sitios no creíbles, pero consiguió no hacerlo; y Luisa  se entregó con toda la carne a su personaje”.

Y de las heroínas de Paula Ortiz (Zaragoza, 1979), a la película de “ciencia ficción para mujeres” firmada por Kike Maíllo, que se enteró en la Academia que Eva era la destinataria del Premio RNE Sant Jordi de Cinematografía a la  Mejor Opera Prima. “Es una propuesta extraña para nuestra cinematografía porque parte de la robótica como excusa para contar como funcionamos. Espero que esta historia de pie a gente con  talento para que toque este género porque cuanto mayor sea el abanico, mejor nos irá. Pero aquí la ciencia ficción va de la mano del melodrama”.

Con 12 opciones a los Premios Goya, 16 a los Gaudí y 10 a los CEC (Círculo de Escritores Cinematográficos), Eva está protagonizada por Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Lluís Homar y la niña Claudia Vega. “BrUhl, que es una estrella europea, me escogió a mí y se embarcó en esta locura.  Cuando trabajas en la improvisación, los efectos pueden mecanizar las películas y el hecho de que los actores dominen tanto su instrumento es muy importante”, expone este barcelonés formado en la cantera de la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC).

Productor, guionista, músico y director de exitosas series de televisión, Paco Arango quiso mostrar lo mucho que ha aprendido con la actividad que lleva desarrollando desde hace más de una década, ayudar a niños con cáncer, en  Maktub, un proyecto muy especial para él . “Tenía que reinar la alegría dentro de tanta tragedia”. Confesó que sufrió mucho detrás de la cámara, “pero tuve la gran suerte de contar con un reparto extraordinario, impensable para una primera película”.

Rodeado del argentino Diego Peretti,  Aitana Sánchez-Gijón, Goya Toledo –que podría alzarse con el galardón en la categoría de actriz de reparto- , Andoni Hernández San José y Rosa María Sardá, ha cumplido el sueño de Antonio, un chaval con cáncer que quería ser rapero. “Cuando dos de sus mejores amigos me dijeron que habían escrito una canción para él, pensé que sería un horror, pero era una joya”. Una joya titulada ‘Nuestra playa eres tú’, que es finalista al Goya a la Mejor Canción Original.

Galardonado cortometrajista, Eduardo Chapero-Jackson confesó que le resulta difícil explicar “de qué iba” Verbo, una combinación de animación, hip-hop, verso y graffiti que se define como una fábula de estructura clásica. “Pensé que a todos los que tenemos inquietudes de jóvenes nos faltaban cuentos de tintes clásicos, pero cercanos. La idea fue  crear una fábula que pudiese trascender generaciones”, expuso este hijo de español y norteamericana, que entiende que la película era “un triple salto mortal, y una de las piruetas fue encontrar a Alba García, que está en todos los planos del filme, y lo que hizo fue extraordinario”.

También se lo pareció a los académicos porque Alba García también  pelea por el Goya a la Mejor Actriz Revelación, posibilidad a la que se suma la de mejor canción compuesta por Nach y  Pascal Gaigne.

Un equipaje que ayuda

Su paso por la televisión, la docencia,  la publicidad y los cortos les ha curtido a la hora de sentarse en la silla de director. Un bagaje del que se sienten orgullosos. “La responsabilidad y el salto de magnitud del corto al largo es más grande, pero la experiencia es la misma: narrar. Mis cortos siempre quisieron navegar por planteamientos estéticos diferentes, territorios que no existen y que el espectador puede vivir, partiendo siempre de una emoción. El largo es un salto más cuantitativo que cualitativo”, manifestó Ortiz, autora de varias piezas cortas que con sus obras persigue “hipnotizar”, la sensación que ella tuvo cuando vio de pequeña La reina Cristina de Suecia.

Maíllo pasó por la ESCAC, donde ejerce como profesor y donde también estudiaron los hoy conocidos Juan Antonio Bayona y Mar Coll. “Esto me ha dado la oportunidad de entender cómo funciona el cine más allá de mi experiencia. Si no ruedas pierdes músculo, coges miedos, desconoces el trabajo en equipo, el lenguaje… Los cortometrajes te permiten encontrar tu voz porque puedes llegar a conocer qué emociona de ti a los demás”, declaró Maiílo, que también ha hecho sus pinitos en la publicidad y ha filmado videoclips. “Intento que mi lenguaje en publicidad o en la  música sea el mismo que en cine, pero cambian los ritmos. La publicidad depende de una idea con talento, y el cine de mucho esfuerzo y trabajo”.

También contó Maíllo que no pretendía hacer una película de ciencia-ficción al uso. “El proyecto nace de la productora de la ESCAC, Escándalo Films, que vinieron a mí porque estaban hartos de hacer cine social. Me preguntaron si me veía haciendo una película de género y respondí que sí si era de robots”.

En televisión, Arango hizo las ficciones que le dejaron, no las que quería. “Pero como son tantas horas y tocas tantas cosas, pues venía muy rodado al cine, que era mi meta, mi sueño”. Eso sí, en los dos medios tuvo la misma premisa: que todo el mundo lo pasase bien.

Chapero-Jackson no ve los cortos como una preparación al largo, sino “como un formato  en sí mismo de gran belleza, profundidad y síntesis porque no se intenta mantener la atención artificialmente con tensiones de tramas”. Bellas Artes es la procedencia de este director que se ganó la vida trabajando con el productor Fernando Bovaira y los cineastas Alejandro Amenábar y Julio Medem.  “Fue un máster pagado,  aprendí mucho sobre como enfrentarte al complejo mundo de los vericuetos del cine. Fue muy pedagógico conocer el viaje de una película, desde la idea que la pone en marcha hasta ver cómo plano a plano y toma a toma se construye lo que se rueda”.

Lugares para compartir

Pertenecen a una generación que se ha dado a conocer en festivales, canales que Ortiz calificó de “plataformas fundamentales para que nuestras historias sean vistas, compartidas y empujadas. Son  foros en el sentido más social, un lugar donde la gente habla de otros relatos, otro cine, gente que empieza y comparte ideas y diálogo”.

Galardonada con el Premio del Público en el Festival de Cine Fantástico de Gérardmer y con el Gran Premio del Jurado del Festival de Ciencia Ficción de Nantes, Eva ha tenido como escaparates las últimas ediciones de la  Mostra de Venecia y de Sitges. “Los festivales son casi el único lugar donde se puede ver un corto, y aparte del contacto con el público, nos sirven de encuentro entre colegas”, apostilló Maíllo.

Cerró el encuentro Chapero-Jackson, que presentó su Verbo en Zinemaldia 2011. “En la ultima década en España se ha tejido una red de festivales que ha creado un magma de talento que hoy nutre nuestro cine. Hay muestras que generan comunidad”, sentenció.

Abrió su discurso citando a Montaigne, “es uno de mis últimos vicios y él decía que aprender a vivir es aprender a sobrellevar  la imperfección, e incluso a abrazarla. La gente del cine sabemos mucho esto. Aquí estoy abrazada a las imperfecciones de mis obras emocionada por la generosidad de la Academia. Conseguir esto cuesta mucho años, y en virtud de estos muchos no está de más repetir que en nuestro cine pasamos del triunfalismo a la depresión con una velocidad pasmosa, pero ambos sentimientos son esquemáticos y mentirosos”.

Siempre combativa, aseguró que "la administración se equivocaría si no se diese cuenta de la importancia que tiene divulgar la cultura y mantener el apoyo al audiovisual. La historia de nuestro país es muy dada a tirar por la borda esfuerzos que han costado a generaciones muchas lágrimas y batallas. Freud decia que la función del arte en la sociedad es reconstruirnos cuando estamos en peligro de derrumbe".

Molina compartió este galardón honorífico con las mujeres de su generación y sus compañeras cineastas de CIMA, asociación de la que es presidenta de honor y de la que afirmó que había sido capaz de "sustituir el aislamiento por la solidaridad, la invisibilidad por la información. Entiendo que el cine español hoy es creativo, diverso y comprometido, y fuera de nuestras fronteras es respetado y admirado. Las mujeres sabemos que alcanzar nuestros objetivos y lograr un audiovisual más justo costará años y esfuerzos, pero no podemos hipotecar nuestra realidad presente a la espera de un futuro mejor. La razón entiende que hay que aportar el punto de vista femenino.”

Las últimas palabras de su discurso fueron dedicadas a Córdoba, "lugar donde se forjó mi ilusión por hacer cine".